viernes, 27 de febrero de 2015

Video del día: Oasis - Some Might Say


Oasis - Some Might Say

El 24 de Abril del año 1995 los medios de comunicación informaban al mundo que aparecía en  escena el nuevo single de una de las bandas que por ese entonces empezaba a tomar fuerza entre la juventud. Se trataba de los Oasis y su nueva canción: Some Might Say.

Con "Some Might Say" la banda quería dejar en claro que no eran una moda pasajera, y que su talento iba en crecimiento absoluto, y eso se vería reflejado meses después tras la publicación y las buenas críticas del histórico segundo álbum de la banda de titulo (What's the Story) Morning Glory? (02-Oct-1995), el disco de sus vidas y el que dejó a Oasis dentro de la fama absoluta.

Era marzo de 1995, y la banda se trasladó a Gales, a los históricos Rockfield Studios, donde empezarían a trabajar su segundo disco. En esas tierras los esperaba el productor Owen Morris, con quien la banda ya tenía cierta amistad tras las grabaciones del "Definitely Maybe", donde estuvo a cargo de las mezclas.

Al llegar al estudio de grabación, Noel Gallagher le pasa unas cintas con algunos demos de las nuevas canciones que quería trabajar para este nuevo proyecto, y una de esas joyas sin pulir era "Some Might Say", una canción que había escrito un día antes de mudarse de Manchester a Londres, y que estaba inspirada en ver de manera positiva todo lo que pasaba en la vida, y en las sorpresas que pueden llegar en un buen día. De hecho, el mismísimo Noel le comentó al productor que esta canción tuvo su génesis con la frase "Some might say we will find a brighter day", y de ahí en adelante todo fue muy rápido a la hora de escribir la letra de manera completa.

"Había unos demos de "Some Might Say", que al parecer Noel había grabado en Francia seis meses antes de empezar la grabación del disco. Era una canción algo lenta, de un sonido muy pesado y oscura, con cierto aire a los Rolling Stones. Tras escucharla, nos dirigimos a Loco Studios, que quedaban también en Gales, y pasamos todo el día buscando nuevas versiones a la canción. La idea principal era darle un ritmo más rápido" comentaba Morris en una entrevista con la Q Magazine en Febrero de 2011. Además en esa entrevista el productor del disco agregó: "Cuando llegamos a una versión interesante ya era pasada la medianoche, pero Noel se paró y decidió llamar a sus demás compañeros para grabarla. Así fue como Noel partió rápidamente a despertar a sus demás compañeros, les insistió hasta el cansancio que tenían que abandonar la cama y volver al estudio para grabar. En cuestión de minutos la banda ya estaba grabando la primera toma de la canción, pero el haberlos despertado ocasiono ciertos problemas de ánimo, y el mal genio afloró de manera inmediata".

Cabe señalar que en esa sesión nocturna no se apareció ni la sombra del vocalista Liam Gallagher. Por esa razón, la voz recién fue grabada al otro día, cuando el vocalista, al igual que sus demás compañeros, llegaron con una resaca nivel Dios a trabajar en los estudios de grabación. "Al otro día, Liam llegó a grabar la voz principal en tan sólo dos tomas. No se sentía muy cómodo, ya que la música de fondo era más rápida de lo que él creía y estaba acostumbrado, y fue un detalle que se nos fue esa noche junto a Noel. De hecho, en las primera grabación del coro hubo problemas con la velocidad de la pista y eso armó un buen lío a la hora de entrar a mezclar. Pero al final decidimos simplemente arreglar esas tomas ya que Liam había cantando de manera brillante" declararía el productor.

Otro detalle que rodea a esta canción y su sesión de grabación es que fue la ultima que grabaron junto al baterista, y miembro fundador de la banda, Tony McCarroll , ya que días después se le pidió que abandonara la banda cuando aparecieron en la escena ciertas tensiones entre él y los hermanos Gallagher debido a ciertas regalías y trabas que contenía el nuevo contrato con Creation, el sello que los cobijaba en esos días. "En primer lugar y lo más importante fue mi enfrentamiento con Noel frente a nosotros por Alan McGee y Creación Records.  Además, el contrato que había firmado le dio el poder de despedirme" declaraba años después el baterista, quien además declaraba que las diferencia de personalidad fue un factor importante a la hora de ser despedido. "Fue una lamentable situación que llevó al extremo la amistad que debía haber durado toda la vida." menciona McCarroll en su comentado libro The Truth. 

Una vez que la grabaron se la presentaron a Alan McGee, el dueño de la discográfica, quien de inmediato se frotó las manos, ya que sentia que ese era un excelente single para la banda y apoyó al ciento por ciento a Noel en la idea de que sea el primer corte promocional de su nuevo disco. Si bien Noel estaba seguro que esta canción sería número 1 en el Reino Unido, el empresario no estaba del todo convencido, y de hecho llegó a decirle al autor de la canción  que la meor idea era publicarla en una doble cara A junto a  "Acquiesce", ya que esta era muy coreada en los conciertos y era un éxito rotundo ya en versión inédita. Pero Noel no estaba para "chiquitas", y mantuvo firme su posición de que el lado A estuviera esta canción y que "Acquiesce " fuera parte del lado B. "Alan McGee no creía que esta canción estaba lista para ser un # 1. Es un gran hombre, pero no tenía idea de como elegir los singles. Desde el día en que escribí 'Some Might Say ' que estaba seguro de que sería un # 1 y al final yo estaba en lo cierto. No tuve ni la más mínima duda. Es como un gin tonic que saca lo mejor de mí" declaró Noel a la NME en Diciembre del 2012.

Finalmente, esta canción llegó al puesto #1 del UK Singles charts, ayudando al ego de Noel (?) y siendo el primer paso para el gran éxito que traía Oasis bajo sus brazos... Un disco de aquellos, un disco que revolucionó la década de los 90's.

Efemérides 28 de Febrero

UN DÍA COMO HOY, 28 DE FEBRERO EN EL AÑO…

wham
1986
Wham! anuncia su separación
Para muchos hablar de Wham! es hablar de los primeros pasos dentro del mundo de la música de un gran artista, demostrado ya con creces, llamado George Michael, ya que era él quien escribía y ponía la voz a las canciones del dúo. Pero no hay que olvidar que eran dos, Georgios Kyrriacos y Andrew Ridgeley, y aunque este ultimo parecía quedar siempre en un segundo plano, era por supuesto miembro y fundador de este dúo vendedor de un millón de copias: Wham!.

Se conocieron en la escuela, en un suburbio londinense de Bushey, y empezaron juntos cantando ska en una banda llamada “The Executive”, cuando esta se disolvió en 1982 y pensando que “wham” era el sonido que ellos hacían cuando cantaban juntos, así se hicieron llamar. Y rápidamente obtuvieron un gran éxito con “Wham Rap!”. En ese mismo año llegarían al numero 1 en las listas inglesas con “Young guns (go for it)”. Su álbum de debut llegaría bajo el nombre de “Fantastic” y con canciones como “Club Tropicana” consiguieron destacar con fuerza en el panorama del pop de los 80 gracias a simpáticas canciones y un look de lo más… como dice un amigo: ¿Dónde acaba lo chic y empieza lo hortera?.

Eso nos puede parecer ahora, porque por entonces aquellos pantalones de cuero, rellenados en su parte frontal, y esos torsos al descubierto nos parecían lo más. Después llegaría “Make it Big” con “Despiértame antes de irte” “Wake me up befote you go-go” que se convirtió en todo un éxito alrededor del mundo. En ese mismo trabajo también encontrábamos: “Freedom”, ”Careless Whisper” numero 1 varias semanas consecutivas en distintos países, y “Everything she wants”.

Con la publicación de “Music from the Edge of Heaven” y temas como el propio “The edge of heaven”, “Last Christmas” convertido en el villancico internacional mas moderno y “I´m your man”, llegaría la disolución de la banda.

Cuentan que su manager decidió vender una parte de la gerencia del dúo, para compartirla con un conglomerado de entretenimiento Surafricano y que supuestamente, como parte de su postura contra los políticos de Sudáfrica, Geoge Michael anunció la ruptura de Wham. Para otros era la necesidad de George de empezar su trayectoria en solitario.

El caso es que en 1986, el 28 de febrero, anuncian su separación y para ello publican un obligado recopilatorio de grandes éxitos “The final” y ofrecen un concierto multitudinario ante una audiencia de 72,000 fanáticos en el estadio Wembley de Londres.

A partir de ahí George comenzó rápidamente a ascender en su carrera en solitario y Andrew lanzó un álbum llamado “Son Of Albert” con no demasiado éxito. A pesar de su disolución el 28 de febrero de 1986 que levante la mano quién no siga bailando canciones como “Freedom”.



michael-jackson-thriller
1984
Michael Jackson arrasa en los premios Grammy
El triunfador absoluto en este año fue Michael Jackson que obtuvo ocho Grammy. Su álbum Thriller (1982) barrió en el mercado y fue premiado en varios apartados. El cantante recibió el Grammy al Mejor Álbum y al Mejor Single del Año por el sencillo del mismo nombre. Su productor, Quincy Jones también vio reconocida su labor con el Grammy a la Mejor Producción por el tema Beat it y el Grammy al Productor del Año.

En el apartado de rhythm & blues, Michael Jackson recogió el Grammy a la Mejor Canción en ese estilo por Billie Jean y el Grammy a la Mejor Actuación Masculina de Rhythm & Blues.

De cualquier forma, hubo espacio para más premios y premiados. Every breath you take de The Police y escrito por Sting recibió el Grammy a la Mejor Canción del Año. Culture Club recogió el Grammy al Artista Revelación y Duran Duran se hizo con el de Mejor Vídeo Musical por Girls on film. El álbum de la banda sonora original de Flashdance, de la película del mismo nombre recibió el Grammy al Mejor Álbum Grabado para una Banda Sonora.

Las peores caídas sobre el escenario

Después de que Madonna terminara en el piso en los Brit Awards, listamos otros artistas que también trastabillaron en escena.
Fuente: Rolling Stone


El pop a veces es cruel. Las coreografías sincronizadas con el canto suelen jugarles malas pasadas a los artistas: los tropezones seguidos de caídas -algunas dolorosas- abundan sobre y desde el escenario. Le pasó una vez más a Madonna, ahora en la ceremonia de entrega de los Brit Awards, mientras cantaba "Living for Love", un tema de su próximo disco, y fue trending topic mundial. Aunque después le echara la culpa a su capa diseñada por Armani. Pero en el rock también pasa: preguntémosle a Steven Tyler, si no. O a Axl.

Acá, la Reina del pop y otras caídas de ayer y de hoy:

Madonna

Steven Tyler

Lady Gaga

Iggy Azalea

Eddie Vedder (un compilado)

Axl Rose

Bono

Katy Perry

Brian Johnson: “Yo quería ser un guerrero de la carretera”

¿Sabías que el cantante de AC/DC soñaba con convertirse en piloto de coches? Ahora, que le llevan en limusina, habla de su (otra) pasión en la revista CAR.
Fuente: Rolling Stone

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“Cuando veía en la televisión a Stirling Moss y a Graham Hill, esos fantásticos guerreros de la carretera, pensaba que eran absolutamente heroicos y quería ser como ellos”, le ha contado Brian Johnson, el cantante desde hace 34 años de la banda de rock AC/DC, a la revista CAR.

Johnson compra revistas de coches que acumula en su oficina, ha sido presentador en el programa de televisión Cars that rock –y así conoce las fábricas de Bugatti, Rolls-Royce y Porsche, y le dejan conducirlos, claro–, dice que de pequeño jugaba a las carreras sentado en la cama con un volante, y que su padre le construyó un coche de juguete con una caja y cuatro ruedas.

También habla de su primer coche –nunca lo adivinarías–, del que se compró con el dinero que ganó con AC/DC –a ver si crees que le pega– y de los veinte coches, aproximadamente, que hoy posee, amén de comentar jugosas marcas pertenecientes a su excompañero Phil Rudd.

jueves, 26 de febrero de 2015

Video del día: Toto - Rosanna


Toto - Rosanna

Rosanna es una canción y éxito de la banda estadounidense de rock Toto escrita por David Paich y lanzada como sencillo el  01 de Abril de 1982. Se incluye en el cuarto álbum de estudio de la banda de titulo Toto IV (Abr-1982). 

La canción rápidamente se colocó en el #2 del Billboard Hot 100 permaneciendo durante 6 semanas y vendió más de 2 millones de copias en los Estados Unidos. El éxito los llevó a ser nominados a varios Grammys en 1983, de los cuales ganaron seis. 

Con el álbum Toto IV obtuvieron el Grammy al álbum del año. El sencillo "Rossana" fue certificado platino por las ventas y ganó dos Grammys, a la mejor grabación del año y al mejor arreglo de acompañamiento para vocalista(s)

Musicalmente esta canción trae una gran variedad de estilos, desde guiarras muy roqueras (trae un solo que deja los pelos de punta) hasta pianos al mas puro estilo del jazz. Esta entretenida mezcla de estilos es una de las características mas notables de la banda.

La canción es cantada por Steve Lukather y Bobby Kimball. La interpretación de este tema fue muy mal entendida por algunos críticos y fanáticos al creer que era dedicada a la novia del tecladista Steve Porcaro, la famosa actriz Rosanna Arquette. Sin embargo, los miembros de la banda han dicho que solo fue una coincidencia y que la idea de Paich de colocarle ese nombre al tema era porque rimaba en el coro.

El video musical que fue hecho para promocionar mas el tema trae en su reparto a Cynthia Rhodes y al joven bailarín y actor Patrick Swayze (de la película Ghost) como uno de los bailarines. Y lo que son las cosas, ambos actores se reunirían de nuevo en 1987 como estrellas de la película Dirty Dancing.

Efemérides 27 de Febrero

UN DÍA COMO HOY, 27 DE FEBRERO EN EL AÑO…

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1995
Bruce Springsteen pone a la venta su primer recopilatorio
Era el primer recopilatorio de Bruce Springsteen en 22 años de carrera. Recogía 14 de los mejores cortes de sus diez álbumes precedentes y cuatro temas inéditos que, lógicamente despertaron el interés de los seguidores del Boss.

El álbum, con una portada en la que Springsteen aparece con la guitarra a la espalda vestido de cuero y sobre fondo blanco, se puso a la venta el 27 de febrero de 1995 y se convirtió desde un primer momento en uno de los discos más vendidos del cantautor de Nueva Jersey. En el disco están los temas imprescindibles de la primera parte de su carrera, incluidos algunos posteriores a su separación de la E Street Band. Por ejemplo, el indiscutible “Born in the USA”, “The river” y “Hungry heart”.

Además se incluyeron los inéditos que grabó acompañado de la E Street Band, con los coros de su mujer, Patti Scialfa. Cuatro temas de los que alguno llegó a adquirir personalidad propia, incorporándose al repertorio de sus giras como, por ejemplo, el ya mítico “Murder incorporated”.



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1977
Keith Richards es detenido por posesión de drogas
El guitarrista de la mítica banda The Rolling Stones dormía plácidamente en el Hotel Castillo Toronto’s Harbour cuando la real policía montada del Canadá irrumpió en su habitación para proceder a un registro.

En el mismo fueron incautados 22 gramos de heroína, 5 gramos de cocaína y demás material ilegal por el que fue acusado de posesión y de intento de tráfico de sustancias ilegales. Richards tuvo que pagar una fianza de 25 mil dólares y someterse a un juicio que le encontró culpable.

10 bandas sonoras esenciales ganadoras de Óscar

Fuente: M80 Radio


1. “Over the Rainbow” (Harold Arlen & Yip Harburg) El mago de Oz (1939)
La actriz Judy Garland se refugió en una canción de ensueño antes de emprender su camino hacia el País de Oz. El himno del arco iris por excelencia es el archiconocido ”Over the Rainbow”, se trata de una composición contra discriminaciones que reclama la paz y un mundo mejor. El tema se llevó un merecido Óscar en 1939 a la mejor canción original de la película El mago de Oz.



2. “Whatever Will Be, Will Be” (Jay Livingston & Ray Evans) El Hombre que Sabía Demasiado (1956)
Estábamos acostumbrados al estrecho vínculo profesional entre Alfred Hitchcock y Bernard Herrmann, relación que se dejaba ver en las películas del director inglés. Sin embargo, la dramática interpretación que Doris Day hizo del “Whatever Will Be, Will Be” (Jay Livingston & Ray Evans) para la película El hombre que Sabía Demasiado, le mereció un Óscar en 1956. El famoso “Qué será, será” se convirtió en todo un hit de su época.




3. “Moon River” (Henry Mancini y Johnny Mercer) Desayuno con Diamantes (1961)
Audrey Hepburn y George Peppard es una de las parejas más famosas y elegantes del cine, además fueron arropados por una dulce banda sonora. La música fue compuesta por Henry Mancini y Johnny Mercer escribió la letra de “Moon River”. En 1961 Desayuno con Diamantes ganó dos premios Óscar a la Mejor banda sonora y Mejor canción.




4. “Last Dance” (Donna Summer) ¡Por Fin es Viernes! (1978)
En los 70 la música dance entra a la lista de premiados en los Óscar. Cómo olvidar la película Thank God it’s Friday, con Jeff Goldblum y Debra Winger. Aunque el largometraje también presenta a The Commodores con la canción “Too Hot to Trot”, Donna Summer ganaría el Óscar a la mejor canción original del filme gracias a “Last Dance”.




5. “Flashdance…What a Feeling” (Irene Cara) Flashdance (1983)
Hablamos en términos mayores cuando nos referimos a esta canción; el tema favoreció el premio Óscar al filme y lo recibió a la mejor canción. Por por si fuera poco, un año después, Irene Cara también se llevó un premio Grammy por mejor interpretación vocal femenina. “Flashdance…What a Feeling” encabezó las principales listas de música de todo el mundo en 1983.




6. “(I’ve Had) The Time of My Life” (Bill Medley y Jennifer Warnes) Dirty Dancing (1987)
En los 80 la producción cinematográfica fue enorme y con una calidad considerable, prueba de ello, encontramos unas cuantas bandas sonoras galardonadas. En 1987 Hollywood sonó a aquellos bailes que se marcaba la atractiva pareja formada por Patrick Swayze y Jennifer Grey. “(I’ve Had) The Time of My Life” es el tema de Bill Medley y Jennifer Warnes que se llevó un Óscar a la mejor canción original de Dirty Dancing.




7. “My Heart will go on”(Celine Dion) Titanic (1997)
Celine Dion es la artista “titánica” por excelencia, un talento similar al de algunos competidores como Streisand o Sinatra, pero nos quedamos con la canadiense por ser de las cantantes con más premios en esta categoría. Dion fue ganadora de 4 premios Grammy y el Óscar a la Mejor canción original en 1997 por “My Heart will go on”, banda sonora de Titanic.




8. You´ll be in my Heart (Phil Collins) Tarzán (1999)
La factoría Disney también tiene un hueco importante en nuestro Top Ten, hemos elegido la canción de la película de Tarzán, You´ll be in my Heart. Fue interpretada por Phil Collins y ganó el Oscar en 1999.



9. “If I Didn’t Have You” (Randy Newman) Monsters Inc (2002)
No nos olvidamos tampoco de Donde Viven los Monstuos, “If I Didn’t Have You” (Randy Newman) para la película Monsters Inc. Newman se hizo con el Óscar a la mejor canción. Años después repitió estatuilla gracias a “We Belong Togheter”, la banda sonora de Toy Story 3.



10. “Skyfall” (Adele & Paul Epworth ) Skyfall (2013)
Todas las películas del agente 007 tienen su canción insignia pero, en esta ocasión, y por primera vez en su historia, La Academia premiaba una composición de la serie James Bond. En el recuerdo quedarán las obras de arte de Tom Jones, Shirley Bassey, Carly Simon, Paul McCartney y Nancy Sinatra, que también hubieran merecido el Óscar. Adele rompe la costumbre con una justa estatuilla.

martes, 24 de febrero de 2015

Video del día: Michael Jackson - Dirty Diana


Michael Jackson - Dirty Diana

Dirty Diana es una canción interpretada por el cantante estadounidense Michael Jackson, presente en su séptimo álbum de estudio de titulo Bad (31-Ago-1987). Se lanzó como  sencillo a través de Epic Records el 18 de abril de 1988, siendo el quinto de dicho disco en promoverse. La canción presenta un sonido más cercano al hard rock, similar al de "Beat It", del álbum Thriller. "Dirty Diana" fue compuesta por Jackson y Quincy Jones. 

Dirty Diana tuvo en general una buena recepción por parte de los críticos de música contemporánea. El tema fue un éxito comercial a nivel mundial en 1988 y alcanzó la cima de la lista estadounidense Billboard Hot 100. También logró ingresar al top 10 en muchos países, entre los que se cuentan el Reino Unido, Francia, Italia y Nueva Zelanda.

Su letra trata sobre una admiradora insistente. Jackson contrató al inicialmente guitarrista de Billy Idol Steve Stevens para que lo acompañe en el tema. En aquel tiempo se sugirió que la canción se inspiró en un supuesto romance entre Jackson y su cercana amiga Diana Ross, cosa que más tarde se negó. Se habló de un posible origen del cual Michael Jackson compuso el tema luego de que una reportera le pidiera acostarse con él, a lo que él se negó causando una ira en ella que luego hablo pestes del cantante. 

En una entrevista para la edición especial de Bad, Jones confirmó que la letra de la canción era sobre admiradoras. Jackson también lo mencionó durante una entrevista con Barbara Walters y añadió que no era acerca de la princesa Diana, aunque ella le dijo que se trataba de una de sus favoritas entre las canciones del estadounidense.

Dirty Diana fue el quinto y último éxito número uno en el Hot 100 del álbum Bad. En 2009, tras la muerte de Jackson en junio, reingresó en las listas, principalmente debido a las ventas digitales. 

Se filmó un video promocional para el sencillo junto a un público en directo que se lanzó en 1988.

Efemérides 25 de Febrero

UN DÍA COMO HOY, 25 DE FEBRERO EN EL AÑO…

1943
Nace George Harrison
De algún modo estaba predestinado a formar parte de los Beatles, porque ese niño enfermizo, nacido en Liverpool el 25 de febrero de 1943 y bautizado como católico como George Harold Harrison, compartió escuela con John Lennon e Instituto con Paul McCartney.

El más taciturno y, para algunos, más músico de los Beatles aprendió a tocar la guitarra mientras convalecía de una nefritis y el entusiasmo por la música fue creciendo en él incluso cuando después de dejar los estudios, trabajó como aprendiz de electricista.

Era tal su pasión por la guitarra que llevaba el instrumento a todas partes y la tocaba en cualquier sitio. Y fue precisamente en un autobús donde su ex compañero McCartney le escuchó y decidió presentárselo a Lennon. Habían nacido los Quarrymen que, con el tiempo y algunos cambios, acabarían siendo los Beatles.

En su etapa con los Beatles destacó por ser el más técnico e innovador de los cuatro y por haber creado alguno de los temas más delicados del grupo, desde “Here comes the sun” a “Something”, pasando por “Norwegian wood” que cantó personalmente. También por haber llevado a sus compañeros por la senda del misticismo hindú de la que, además de la experiencia espiritual, sacó su destreza con el sitar.

George fue siempre amigo de sus amigos, especialmente de Eric Clapton, otro genio de la guitarra, y eso pese a que George se casó con Patty, el gran amor de Clapton, a la que dedico su famoso “Layla”.

Harrison fue el primer Beatle en cabalgar en solitario, primero con un disco de inspiración budista cuando aún formaba parte de la banda y luego con el triple álbum “All things must pass”, todo un éxito comercial y de crítica.

Preocupado por el mundo en que vivía, George Harrison fue el animador de acciones solidarias por causas como la de Bangla Desh que materializó en un concierto benéfico que ha quedado como uno de los mejores de la Historia del Rock y para el que contó con sus amigos, los mejores músicos del momento.

La carrera de Harrison, al margen de las disputas de sus ex compañeros, fue larga, provechosa y discreta y también caracterizada por dar oportunidad a quienes como los Monthy Pyton llamaban a su puerta en busca de financiación para proyectos como la película “La vida de Brian”.

Apartado de la vida pública y gravemente enfermo, George Harrison murió en Los Ángeles el 29 de noviembre de 2001 y, aunque su muerte no tuvo el alcance mediático que el asesinato de John Lennon, si causó gran conmoción en el mundo de la música.



1981
Christopher Cross gana cinco premios Grammy con su álbum debut
En esta edición, la número 23, un músico tejano recién llegado obtuvo cinco premios Grammy, los únicos de toda su carrera. Estos correspondieron a su álbum debut homónimo, y fueron: Mejor Canción, Mejor Álbum, Grabación del Año, Mejor Artista Revelación y Mejor Acompañamiento.

El disco tuvo cuatro sencillos que subieron muy alto en las listas de éxitos: Ride like the wind, Never be the same, Say you’ll be mine y Sailing. Tres años más tarde Another page (1983), en el que se incluía otro de sus grandes éxitos All right. Sin embargo, a partir de entonces la carrera del músico y cantante tuvo altibajos y nunca volvió a repetir el éxito de sus dos primeras obras. Tras cambiar de discográfica, en 1993 publicó Rendezvous, un álbum en el que se incluía In the blink of an eye, tema que le hizo sonar de nuevo en todas las emisoras del mundo.

Tears for Fears, 30 años de ‘Songs from the Big Chair’

Fuente: M80 Radio

Songs from the Big Chair es el disco más vendedor de los Tears for Fears, el que les abrió las puertas del mercado americano, una auténtica sensación internacional con temas como Shout y Everybody Wants to Rule the World. Fueron un total de cinco singles los que se colaron en el top 5 en Estados Unidos, dos de ellos nº 1.


En 1984 después de algunas giras por toda Inglaterra promoviendo su primer álbum "The Hurting" el grupo se mete de nuevo al estudio para preparar lo que sería su nuevo material discográfico, que recibió finalmente el nombre de "Songs From the Big Chair", en alusión a la trama de la serie de televisión "Sybil" en la cual una joven tenía problemas de multipersonalidad que solo podía aplacar estando sentada en la silla de su terapista.

"Songs from the Big Chair" salió al mercado el 25 de Febrero de 1985 y mostró un sonido más revolucionado con respecto a "The Hurting", dejando un poco de lado los sintetizadores y la programación para darle mayor entrada a las percusiones y a las guitarras. Como resultado este material arrojó los que hasta la fecha han sido los más grandes éxitos de la banda como "Everybody Wants to Rule the World" y "Shout", además de ser el álbum con mayores ventas en toda su carrera con más de 5 millones de copias vendidas en los Estados Unidos solamente.

"Everybody Wants to Rule the World" y "Shout" fueron dos obras maestras que le permitió a la banda ingresar al mercado estadounidense y alcanzar dimensiones de super estrellas al formar parte de la segunda generación de grupos ligados al canal de videos musicales MTV. Otras canciones destacadas de esta producción fueron: "Head Over Heels", "Mothers Talk" y "I Believe". El grupo emprendió giras por los Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, teniendo gran popularidad y aceptación en el público juvenil y del género adulto contemporáneo.

En 1986 el grupo seguía de gira promocional del disco "Song From the Big Chair" e incluso una nueva versión del éxito "Everybody Wants to Rule the World", fue lanzada como parte de la promoción del evento caritativo Sport Aid.

El nuevo disco de Ringo Starr ya tiene fecha

Universal Music ha anunciado la salida de “Postcards From Paradise”, el próximo álbum de Ringo Starr.
Fuente: Rolling Stone

 Ringo star

El disco, que saldrá a la venta tentativamente el próximo 31 de marzo, contará con 11 temas, y tiene como novedad que es el primero en incluir una canción escrita y grabada por Ringo Starr y su banda actual, la All Starr Band. El álbum producido por Ringo y grabado en su casa, cuenta con las colaboraciones como las de Joe Walsh, Dave Stewart, An Marie Simpson, Amy Keys, Benmont Tench, Nathan East, Glen Ballard, Peter Frampton entre muchos otros.

Postcards From Paradise será el 18 álbum de estudio de Ringo Starr, y se publicará justo cuando vuelva de la gira con la All Starr Band que comienza en este mes de febrero.

¡Spandau Ballet vuelve a lo grande!

¡Sí, señor! El grupo británico de pop de los años 80, Spandau Ballet, regresa con una gira internacional.
Fuente: M80 Radio

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Nos darán la oportunidad de ver a la banda que marcó a toda una generación, y de escuchar en directo una serie de éxitos que supusieron un antes y un después en la historia de la música.

El nombre de la gira: Soulboys of The Western World Tour


Estas son las fechas de la gira:

UK & Ireland
- 3 Arena, DublinTuesday 3 March 2015 
- Odyssey Arena, Belfast Wednesday 4 March 2015
- Motorpoint Arena, Sheffield Friday 6 March 2015
- Liverpool Echo Arena, Liverpool Saturday 7 March 2015
- The SSE Hydro, Glasgow Sunday 8 March 2015 
- Capital FM Arena, Nottingham Tuesday 10 March 2015
- Brighton Centre, Brighton Wednesday 11 March 2015 
- Motorpoint Arena, Cardiff Friday 13 March 2015 
- Manchester Arena, Manchester Saturday 14 March 2015
- Newcastle Metro Radio Arena, Newcastle Sunday 15 March 2015 
- The O2 arena, London Tuesday 17 March 2015 
- The O2 arena, London Wednesday 18 March 2015
- LG Arena, The NEC, Birmingham Thursday 19 March 2015

Netherlands
- Heineken Music Hall, Arena Boulevard, Amsterdam Saturday 21 March 2015 
- LuxembourgRockhal Esch Alzette, Luxemburg, Luxembourg Sunday 22 March 2015 

Italy
- Mediolanum Forum Assago, Milan, Italy Tuesday 24 March 2015 
- Pala Alpitour (ex Palaolimpico), Torino, Italy Thursday 26 March 2015 
- PalaFabris, Padua, Italy Friday 27 March 2015 
- Nelson Mandela Forum, Florence, Italy Saturday 28 March 2015 
- Palalottomatica, Rome, Italy Monday 30 March 2015

Germany
- Haus Auensee, Leipzig, Germany Thursday 16 April 2015 
- CCH (Congress Center Hamburg - Saal 1), Hamburg, Germany Friday 17 April 2015 
- Mitsubishi Electric HALLE, Düsseldorf, Germany Saturday 18 April 2015 
- Tempodrom, Berlin, Germany Monday 20 April 2015 
- Alte Oper Frankfurt, Frankfurt am main, Germany Tuesday 21 April 2015 
- Philharmonie im Gasteig, München, Germany Wednesday 22 April 2015 

USA & Canada
- House of Blues, Chicago, IL Saturday 25 April 2015 
- Massey Hall, Toronto, ONT Monday 27 April 2015 
- 9:30 Club, Washington, DC Tuesday 28 April 2015 
- House Of Blues, Boston, MA Thursday 30 April 2015 
- Count Basie Theatre, Red Bank, NJ Friday 1 May 2015 
- Beacon Theatre, New York, NY Saturday 2 May 2015 
- Theatre at Westbury, Westbury, NY Sunday 3 May 2015 

New Zealand
- Vector Arena, Auckland, New Zealand Sunday 10 May 2015 

Australia
- Brisbane Entertainment Centre, Brisbane Wednesday 13 May 2015 
- Qantas Credit Union Arena, Sydney Friday 15 May 2015
- Rod Laver Arena, Melbourne Tuesday 19 May 2015 
- Perth Arena, Perth Friday 22 May 2015 

Spain
- Barclaycard Center, Madrid Thursday 18 June 2015 
- Palacio Euskalduna, Bilbao Friday 19 June 2015 

Channel Islands 
- Big Gig Legend In The Park 2015, Jersey Saturday 4 July 2015 

Singapore
- Formula 1 Singapore Airplanes Singapore Grand Prix, Singapore Saturday 19 September 2015 

La solución de Marky Ramone para acabar con los smartphones en los conciertos

De un tiempo a esta parte, asistir a un concierto es una experiencia bastante diferente a como era en décadas pasadas, cuando lo realmente importante era conectar con los músicos y, a ser posible, vivir una epifanía sensorial.
Fuente: Rolling Stone

Imagen lista

Ahora en los conciertos hay comportamientos ciertamente irritantes, muchos de ellos derivados de la presencia de los smartphones y las redes sociales en nuestras tecnológicas vidas.

Y es que eso de que haya gente que se pasa todo el concierto haciendo fotos y grabando vídeos es algo que molesta tanto a público como a músicos, por lo que era necesaria una solución drástica como la que propone Marky Ramone (derrochando sentido del humor).

Así las cosas, el baterista ha ideado el Smartphone Swatter (Solution For Assholes Who Hold Up Phones At Concerts), un utensilio compuesto por una baqueta y un vinilo de 7 pulgadas de los Ramones y que tiene como finalidad que puedas golpear a todos los pesados de turno y hacer añicos sus smartphones.

¿Le compramos la idea? Efectiva parece, aunque también un poco drástica y no muy amigable. ¡Punk rock!

Led Zeppelin: las reediciones nos recuerdan su poderío


Álbum: IV
Discográfica: Warner
País: Reino Unido
Lanzamiento: 28-Oct-2014
Fuente: Rolling Stone

Es fácil olvidar lo rápido que evolucionaron Led Zeppelin desde la marcada yuxtaposición de golpes blues con delicadeza folk de su debut hasta fundir ambos sonidos a la perfección. Tras editar tres elepés magistralmente multidimensionales en 1969 y 1970, el grupo comenzó su edad media bastante pronto (1971) con su cuarto LP. 

Este disco sigue siendo la obra maestra de Led Zeppelin porque encierra todo lo que el grupo hacía bien: florituras acústicas, blues duro, penetrante poesía, sórdidos reclamos sexuales. Desde el aullido lascivo de Robert Plant en Black dog a la folkie Sandy Denny intercambiando estrofas con él entre una tintineante mandolina en The battle of Evermore, y desde el agitado boogie-woogie de Rock and roll al fango guitarrero de Four sticks –todo lo cual cuajó en Stairway to heaven– el grupo nunca encontró mejor equilibrio entre sus dispares intereses.

La reciente reedición del álbum subraya su profundidad de sonido, gracias a una luminosa remasterización del guitarrista y productor Jimmy Page, y, en la edición deluxe, mezclas alternativas para cada tema. Destacan la tristeza de una Stairway to heaven de sonido más oscuro, y The battle of Evermore en hipnótica versión instrumental consigue sonar más meditabunda y fornida, mientras que When the levee breaks, con mayor protagonismo de la batería, potencia su poder blues. Esta vez, desde luego, todo lo que brilla es oro.

El siguiente disco, Houses of the holy (1973), presenta a Led Zeppelin en la cima de su confianza y con voluntad de experimentar. Aunque ejercicios de riffs como The ocean y The song remains the same muestran al grupo trabajando músculos familiares, los temas que hicieron de su quinto disco un triunfo fueron los que arriesgaban: las mareantes guitarras slide de Dancing days, el reggae blanco de D’yer mak’er; el resbaladizo funk de The crunge y el misticismo jazzy de No quarter. 

Décadas de saturación radiofónica han convertido a algunas de estas canciones en canónicas, pero si se ponen en contexto entre el cuarto disco de Led Zeppelin y la zambullida del doble Physical graffiti, revelan a un grupo ansioso por cambiar.

Igual que con IV, Page ha restaurado impecablemente el brillo de Houses of the holy y ha revelado fascinantes tomas alternativas que dejan ver en qué espacio mental estaba el grupo entonces. Una mezcla instrumental de The song remains the same resulta en un espectáculo de guitarras, mientras que la versión de No quarter recalca la cualidad espiritual del tema. Una mezcla alternativa de The ocean,por su lado, suena más libre que el original, gracias a que se escuchan más los “shoo-bop doo-wop” de Plant al final.

A Led Zepelin le llevaría dos años acabar los densos collages de Physical graffiti –otra reedición espectacular que llega hoy 24 de febrero a las tiendas–, que darían paso a la última fase de la carrera del grupo, y es fantástico acompañarles en ese viaje.

Mark Knopfler muestra en un cortometraje el proceso de grabación de su nuevo disco

El guitarrista adelanta las claves de 'Tracker’, su octavo álbum en solitario, que saldrá a mediados de mes: “Mi objetivo es hacer una buena grabación de una canción buena”.
Fuente: Rolling Stone

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Mark Knopfler ha desvelado a través de un cortometraje documental dirigido por el realizador Henrik Hansen, las claves de su último trabajo, Tracker, que se publicará el próximo 17 de marzo. 

La pieza audiovisual muestra cómo ha sido el proceso de grabación y producción del octavo álbum de estudio del artista: habla del nacimiento de sus canciones, del trabajo conjunto de Knopfler con el productor Guy Fletcher… Pero también enseña la cara más personal del artista, con confesiones sobre qué significa para él ser compositor y cuál cree que es el ciclo vital de una canción.


Se intercalan imágenes en los British Grove Studios de Londres con pasajes más cotidianos y reflexiones sobre qué implica grabar un disco: “Se necesita mucha pasión para hacer esto. Puedes intentar hacer una buena canción y que de ella salga un buen disco”, declara Knopfler en el cortometraje.

Lo cierto es que los años de experiencia avalan al que fuera líder de Dire Straits. Desde que a finales de los noventa comenzara su trayectoria en solitario, Knopfler ha convertido cada publicación de un nuevo álbum en un paso más en su escalada. Tres años después de la publicación de Privateering (2012) llega Tracker, que el propio artista define como el resultado del “esfuerzo a lo largo de estas décadas por encontrar mi camino. De mi recapitulación del tiempo –visitando personas, lugares y cosas de mi pasado– como si abordase una grabación de un tema en el estudio.”

El nuevo video de U2, "Every Breaking Wave"

El nuevo single de Songs of Innocence
Fuente: Rolling Stone


Para el video del nuevo single de Songs of Innocence,"Every Breaking Wave", U2 decidió dramatizar la ola de violencia que azotó Irlanda del Norte durante los años 80.

Así, la banda liderada por Bono usó imágenes de un corto homónimo de 13 minutos dirigido por el realizador nacido en Belfast Aoife McArdle, en el que se relata una historia de amor entre dos adolescentes de distinta religión (católico, protestante) y se ilustra la violencia en los enfrentamientos de la época.

Los miembros de U2 no aparecen en el clip no sólo a los fines narrativos sino también porque Bono se encuentra aún recuperándose de su accidente de bicicleta, que le ocasionó fracturas en la cara, hombro y brazo a fines del año pasado. A pesar de eso, y de que quizás no pueda volver a tocar la guitarra, la banda tiene pautadas fechas para mitad de año.


Cinco músicos con proyectos paralelos

Thom Yorke, Albarn, Jack White...
Fuente: Rolling Stone


Thom Yorke. Para el cantante de Radiohead, cada paso en paralelo es casi una consecuencia del anterior. Su debut solista llegó en 2006 con The Eraser, un disco de tintes electrónicos. Al momento de querer presentarlo en vivo, reclutó a varios músicos amigos (Nigel Godrich, Joey Waronker y Flea, de Red Hot Chili Peppers), hasta que la banda cobró peso propio y se llamó Atoms for Peace, que publicó su primer trabajo en 2013. El año pasado, Yorke volvió a lanzar otro disco en solitario, y por estos días está de nuevo en el estudio, esta vez para el noveno álbum de Radiohead.



Paul Banks. Mucho antes de formar Interpol, Banks compuso sus primeras canciones con el alias Julian Plenti. Después de terminada una gira mundial con su banda, el músico neoyorquino sacó su primer disco bajo su nombre artístico. La cosa se puso un poco más confusa cuando, unos años más tarde, publicó otro álbum con su nombre real, como para marcar la distancia entre una propuesta y otra.




Damon Albarn. El músico londinense mantuvo una constante durante la última década y media: en vez de quedarse con las ganas, fundó un nuevo proyecto paralelo cada vez que su inquietud se lo impuso. Mientras Blur daba sus últimos estertores a fines del siglo pasado, Albarn comenzó el hip hop de fantasía de Gorillaz. Unos años más tarde, fundó The Good The Bad & The Queen para no quedarse con las ganas de hacer un disco de pop apocalíptico, y la fórmula se repitió en 2012, cuando pegó un volantazo hacia el afrobeat con Rocketjuice & The Moon. En el medio de todo esto, despachó la banda de sonido de dos musicales (uno de ellos en mandarín), sacó su primer disco solista y volvió al ruedo con Blur en varias ocasiones. ¿Cuándo duerme?



Josh Homme. La separación de Kyuss puso en modo hiperactividad al pelirrojo californiano. A la par del nacimiento de Queens of the Stone Age, Homme dio forma a The Desert Sessions, un colectivo artístico libre que despachó diez discos en un lapso de seis años, por los que pasaron PJ Harvey, Mark Lanegan, Alain Johannes y más amigos. Al mismo tiempo, el líder QotSA se sumó como baterista de Eagles of Death Metal en sus tres álbumes. Y, como quizás todo lo anterior no era suficiente, en 2009 se puso al frente de Them Crooked Vultures, el trío que completan Dave Grohl y John Paul Jones.



Jack White. El headliner de la próxima edición local de Lollapalooza tampoco disfruta quedarse quieto. En pleno apogeo de The White Stripes, sumó fuerzas con Brendan Benson para fundar The Raconteurs junto a Jack Lawrence y Patrick Keeler. Mientras giraba con esta banda, White conoció a Allison Mosshart de The Kills y juntos crearon The Dead Weather. El comienzo de su carrera solista lo encontró con todos los demás proyectos en hibernación, pero el autor de "Seven Nation Army" mantiene un halo de misterio sobre su continuidad o no.


sábado, 21 de febrero de 2015

Video del dia: Genesis - Congo



Genesis - Congo

Congo es un tema interpretado por la banda de rock inglesa Genesis, fue el primer single del decimoquinto y último álbum de estudio de la banda llamado Calling All Stations (01-Sep-1997) y Congo es una de las pocas canciones pop de este álbum.
Calling All Stations publicado en 1997 es grabado luego del alejamiento de Phil Collins del grupo en 1996, fue un intento de sus compañeros Mike Rutherford y Tony Banks de continuar con la música de Genesis, mientras se notaba un cierto resurgimiento de las raíces del grupo, con un estilo más progresivo, el disco ha vendido más de 3 millones de copias en todo el mundo.

El vocalista Ray Wilson, quien había estado al frente del breve pero popular grupo de grunge Stiltskin, fue traído al grupo luego de un largo período de audiciones. Las voces más oscuras de Wilson recordaban más a las de Peter Gabriel que a las de Phil Collins. 

Debido a que Wilson no era baterista, tanto Nir Zidkyahu como Nick D'Virgilio fueron contratados para hacer las percusiones necesarias. Aparentemente, Chester Thompson, el baterista de las giras de Genesis desde hacía 20 años fue contactado por Banks y Rutherford para encargarse de las baterías en este álbum, pero Thompson ponía como condición convertirse en un miembro permanente de Genesis, por lo que el resto del grupo decidió buscar otras alternativas.

A pesar de su nombre, la canción "Congo" no trata acerca del país en África, sino acerca de dos personas que no pueden continuar juntas, queriendo separarse e irse lo más lejos posible.

La canción se convirtió en un éxito menor, pero principalmente como curiosidad de los oyentes por conocer la voz del nuevo vocalista del grupo. Su éxito no duró mucho tiempo, pero aun así el grupo sintió que "Congo" se había ganado su lugar para ser incluida en el álbum compilatorio Turn It On Again: The Hits de 1999.

Musicalmente, la canción abre con una percusión caribeña mientras un coro con estilo africano canta "Congo the Congo", antes de que la canción continúe con una melodía de guitarra más oscura. La versión en el álbum incluye un sintetizador alternativo al final, mientras que la versión editada para el single no lo incluye.

El video promocional de la canción, dirigido por Howard Greenhalgh, está armado en un ambiente industrial, mientras la banda toca la canción en un puerto junto a los trabajadores. 

Cañones masivos de agua son utilizados para controlar los levantamientos de los trabajadores, y la banda es mojada con esta agua varias veces a lo largo del video.

http://youtu.be/_X4lOaRsjPM


Efemérides 22 de Febrero

UN DÍA COMO HOY, 22 DE FEBRERO EN EL AÑO…

1974
Nace James Blunt
Hoy cumple 41 años el cantautor inglés James Blunt, nacido en Tidworth. Ex-oficial del Ejército Británico, tomó parte en la fuerza de paz de la OTAN en el conflicto de Kosovo.


En 2002 se centró en su carrera musical, publica su álbum debut en 2004 y su tercer single, 'You're beautiful' lo lanza a la fama. Seis meses antes, había publicado el single 'High', su debut discográfico, que pasó desapercibido. El álbum, 'Back To Bedlam', alcanzó el primer lugar de las listas en 16 países. En Estados Unidos logró el 2º puesto, recibió cinco nominaciones a los Grammy y con más de 3.2 millones de copias vendidas es uno de los álbumes británicos más vendidos en el nuevo milenio, cuyas críticas, una vez superado el cliché de 'chico-británico-que-tras-servir-en-el-ejército-compone-tiernas-y-sinceras-baladas', fueron excelentes. Otros temas extraídos en single fueron 'Wisemen' y 'Goodbye my lover'.


Su segundo álbum, 'All The Lost Souls' (2007), cuyas canciones fueron compuestas por Blunt en su casa de Ibiza durante el invierno de 2006 a 2007, no tuvo la misma acogida y hubo críticas contrastadas. Mientras unos opinaban que era una continuación correcta y aceptable en su carrera, otros, como la revista Rolling Stone manifestaban que el disco contenía "baladas poco memorables que hacen que Coldplay parezca Arctic Monkeys". El primer single que se extrajo, '1973', hacía referencia al año en que se fundó la discoteca Pachá en la isla mediterránea y fue un gran hit en los países centroeuropeos.


En noviembre de 2010 publicó su tercer álbum: 'Some Kind Of Trouble', con temas como 'Stay the night', 'So far gone', 'If time is all I have' y 'I'll be your man' y tres años después apareció su cuarto y más reciente trabajo, 'Moon Landing' (2013), cuyo single 'Bonfire heart' fue nº 2 en el Reino Unido, nº 1 en Australia, Alemania, Suiza y Austria y top 10 en muchos otros países.



1987
Muere Andy Warhol
El 22 de febrero de 1987 era domingo. Ese día, el arte y la vanguardia se pusieron de luto porque Andy Warhol, el mayor difusor del arte pop, desacralizador de mitos de la cultura y la política, murió en un hospital de Nueva York tras una intervención en la vesícula.

Andy Warhol había nacido en Pensilvania, hijo de una familia de emigrantes eslovacos. La familia Warhola, porque ese era su verdadero apellido, perdió al padre cuando el pequeño Andrew tenía 14 años y quizá esos años de penuria empujaron a Warhol a la búsqueda incesante del dinero. Fue su madre, luchadora incansable, la que animó a Andy a pintar y a leer. Finalmente decide trasladarse a Nueva York y estudiar arte. Enseguida, además de colaborar con diversas revistas, trabaja como escaparatista y diseñador para grandes firmas como Tifanny’s.

El dinero que tanto ansiaba, comienza a fluir y por fin puede llevarse a su madre a la “Gran Manzana”. Son los años en que cambia de apellido y de imagen, operándose la nariz y encargando el primero de las decenas de peluquines blancos que luciría a lo largo de su vida. Descubre las serigrafías y mezcla el arte y el negocio, recibiendo encargos de grandes firmas para remodelar su imagen. Las sopas Cambell, Coca cola y el estropajo Brillo son algunos de sus clientes. Llegan las series de serigrafías de Marilyn,Mao y el Che y Warhol está ya en lo alto de la nube a la que quería subir.

Su afán de protagonismo le lleva a ser el centro de la vanguardia y se convierte en mecenas de quienes, por entonces, eran solo desconocidos. Todo y todos pasan por “La Factoría”, el estudio del artista, donde se hace arte, cine y, sobre todo, música. Es en La Factoría donde se fragua una experiencia que marcaría un hito en la historia de la música. Allí, bajo el padrinazgo de Warhol, se crea “The Velvet Underground”, un grupo de músicos poetas, entre los que estaban John Cale y Lou Reed. Junto a ellos, una mujer fascinante, Nico, que acabaría convirtiéndose en una hippy más de Ibiza, donde vivió hasta su muerte.

Andy Warhol estuvo, pues, muy relacionado con la música. Especialmente como productor del mítico álbum titulado “The Velvet Underground & Nico”, para el que diseño la famosa portada, con un solitario plátano que ocupa, con su enorme firma al pie, todo el espacio blanco del encarte.

Estábamos en los enloquecidos setenta y en ese disco no falta una canción dedicada a la “Heroína” que circulaba entre los asiduos de la Factoría. Eran las dos caras de Andy Warhol, un personaje al que le encantaba su apodo de Drela, mezcla de “Drácula y Cenicienta”, que recibió en 1990 el homenaje de John Cale y Lou Reed en un disco en directo titulado así. “Canciones para Drela”, aunque no era la primera vez que Lou cantaba a su mecenas y amigo. Lo había hecho también en 1970 en otra canción “El pecho de Anda” de su álbum “Transformer”.

Faith No More da detalles sobre su “hipnótico y gótico” nuevo álbum, Sol Invictus

“Estamos regresando a nuestras raíces, a donde estábamos en nuestro primer álbum”, dijo el bajista y productor Bill Gould sobre el nuevo LP compuesto por 10 canciones.
Fuente: Rolling Stone


18 largos años han pasado desde el lanzamiento del último álbum de Faith No More, y el iconoclasta grupo de metal alternativo lanzará el 19 de mayo el LP Sol Invictus a través de su propio sello, Reclamation. El bajista Bill Gould produjo el álbum compuesto por 10 canciones en el estudio del grupo, Estudios Koolarrow, mientras que el líder Mike Patton grabó las voces en el Vulcan Studios. La lista de canciones del álbum se puede encontrar al final de este artículo.

En un comunicado, la banda explicó que el origen del nuevo álbum fue un pequeño tema que tocaron en Buenos Aires el 2011. “Cuando estrenamos nuestra nueva canción Matador, le dijimos al público que era un cóver, e igual todo el mundo se enloqueció”, dijo Gould.

“Matador fue la primera idea que Billy nos mostró y, en cierto sentido, fue como un nuevo comienzo”, dijo el tecladista Roddy Boddum.

“Es hipnótico y gótico; estamos regresando a las raíces, a donde estábamos en nuestro primer álbum”, expresó el bajista y citó a Siouxsie and The Banshees y a Roxy Music como influencias tempranas. “Patton es Patton: canta, grita y hay algo de alma bajo todo ello. Siempre hemos tomado influencias extrañas y siempre las hemos juntado”.

En noviembre pasado, la banda sacó su primera canción desde hacía tiempo, Motherfucker, en una edición limitada para el Black Friday. Luego, el día de su lanzamiento, le dieron a la canción su debut en vivo durante un concierto improvisado en el que tocaron otra canción nueva, Superhero. Esta última saldrá como single de 7 pulgadas el 17 de marzo y luego en formato digital el 31 de marzo.

“Cuando nos separamos, exploramos lo que podíamos hacer por nuestra cuenta”, dijo el bajista y productor en un comunicado. “Durante ese tiempo, cada uno desarrolló lo que le era natural. Ahora que volvimos a juntarnos, tenemos una perspectiva más amplia así que podemos hacer cosas que nunca pensamos que podíamos hacer. Si hubiéramos querido hacer música country, hubiéramos podido sonar, igual, como Faith No More. Tenemos una fuerza colectiva, y cuando trabajamos juntos se forma un animal”.

“Creo que lo que estamos haciendo refleja los caminos que hemos tomado desde que sacamos nuestro último álbum como Faith No More”, le contó Gould a ROLLING STONE en septiembre del año pasado. “Creo que estamos en un punto muy interesante. Y creo que hay partes muy poderosas en las canciones, y otras en las que hay bastante espacio. Todo lo que hacemos con nuestra química, la forma en la que tocamos, siempre sonará a nosotros mismos. Es lo que hacemos, simplemente; lo que nos hace sentir bien. Ojalá no suene como un disco hecho por un montón de cincuentones…”. En ese momento se ríe y agrega, “pues eso es lo que somos”.

Lista de canciones del Sol Invictus:

1. "Sol Invictus"
2. "Superhero"
3. "Sunny Side Up"
4. "Separation Anxiety"
5. "Cone of Shame"
6. "Rise of the Fall"
7. "Black Friday"
8. "Motherfucker"
9. "Matador"
10. "From the Dead"